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Cartas de um homem morto




O progresso cientifico foi o maior tema dos filmes de ficção científica soviéticos, no entanto, o diretor Konstantin Lopushansky para sua estreia em longa-metragens escolheu o enredo da loucura nuclear, o colapso da civilização humana. Qual a razão? Isto é uma questão que pode ser respondida pelo próprio filme “Cartas de um Homem Morto” (roteiro de K. Lopushansky com a participação de V. Rybakov e B. Strugatsky).

O tom amarelo-marrom dos bunkers subterrâneos, alarmes de sirenes, ruas destruídas da cidade, figuras solitárias entre os poucos sobreviventes com máscaras de gás e armas nas mãos... Não há aproximação ou convencionalidade fantástica nestes quadros tomadas pelo operador Nikolai Pokoptsev. O diretor constrói a ação do filme de maneira estritamente realista e cotidiana.

Em Cartas de um Homem Morto, os detalhes as vezes produzem um efeito de choque, como, por exemplo, na cena de um hospital infantil subterrâneo, ou quando na cidade, queimando após uma explosão nuclear, um grito indefeso é ouvido: “Alguém dê uma máscara de gás! “. Konstantin Lopushansky, de fato, não se refere ao futuro, mas ao passado não tão distante que foi projetado pela imaginação dos primeiros anos quarenta do século XX, quando a Segunda Guerra Mundial reivindicou dezenas de milhões de vidas, incluindo milhões de crianças. Portanto, as inserções dos planos documentais dos tempos de agressão fascista parecem bastante naturais no filme.

O filme, tanto no exterior quanto na Rússia, obteve uma safra inteira de prêmios de cinema, e nas bilheterias reuniu uma audiência de 9 milhões, o que foi muito bom para um trabalho de autor tão incomum.

Então, temos diante de nós uma imagem visual do Apocalipse, um exemplo de que tipo de vida está nos esperando, por exemplo, em algum tipo de colapso nuclear. Aqui temos uma vida no calabouço, aulas de bicicletas ergométricas, combinadas com um dínamo e caminhadas com máscaras de gás, todos os tipos de feridas, loucura desenfreada, e a morte penetrando em todos os lugares. O protagonista, Larsen (interpretado pelo brilhante Rolan Bykov), físico, ganhador do Prêmio Nobel, salvou-se da catástrofe no porão do que costumava ser um museu.





Larsen enlouquece à sua maneira - ele escreve cartas para seu filho. Um menino, aparentemente não mais vivo, mas para Larsen, a criança continua sendo o único significado para continuar sua existência. Em cartas a seu filho, Larsen tenta justificar a humanidade explicando a si mesmo como isso poderia ter acontecido. Através da fé no homem, através do pensamento, cálculos matemáticos e auto-convicção, o cientista chega à ideia de que o fim do mundo não veio, isso não poderia ser. E se assim for, então a humanidade continuará em seu caminho, não importa quão impossível seja.

A esperança ingênua de Larsen será comunicada às crianças que ele abrigou em seu abrigo. Após a morte do cientista, as crianças vão passear pela terra deserta, em busca, aparentemente, de um milagre. Os quadros didáticos deste resultado simbolizarão a eterna esperança de salvação do homem, ou, como a [1] “Cega” de Breughel, a condenação da humanidade ou sua opressiva solidão diante de um universo infinito e desconhecido.

[1] A Parábola dos Cegos é uma pintura do artista do Renascimento flamengo Pieter Bruegel, o Velho, concluída em 1568. A obra retrata a parábola contada por Jesus Cristo, na qual o cego guia outro cego. A passagem bíblica aparece em Mateus 15:14, quando Jesus dirige uma crítica aos fariseus: “Deixai-os. São cegos e guias de cegos. Ora, se um cego conduz a outro, tombarão ambos na mesma vala.” A narrativa é comumente interpretada como uma metáfora para descrever uma situação em que uma pessoa sem conhecimento é aconselhada por outra pessoa que também não tem conhecimento algum sobre determinado assunto

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